A La banda es una congregación impredecible de muchas vidas. Kurayamisaka entiende eso profundamente. Aunque el quinteto está ascendiendo rápidamente como uno de los nombres más animados del indie japonés – avivando enigmáticamente los debates de género en línea, electrizando los escenarios de Fuji Rock y compartiendo carteles con nombres que definieron generaciones en tan solo un lapso milagrosamente corto de tres años – las cosas no necesariamente estaban destinadas a ser así. Después de todo, Kurayamisaka comenzó sobre las cenizas de una vida anterior.
Su historia comenzó en la universidad cuando el vocalista Sachi Naito, inicialmente un compositor inspirado en el J-pop, formó un grupo con los guitarristas Ryuji Fukuda y Shotaro Shimizu. “Fue simplemente el impulso de la juventud”, recuerda Naito sobre sus motivaciones originales, hablando con NME a través de Zoom desde Japón. Sin embargo, inevitablemente la edad adulta y la vida laboral paralizaron a la banda.
Pero el recuerdo de la banda permaneció dentro de Shimizu. Finalmente, después de una década tocando en las salas de Tokio – ciertamente “al 150 por ciento de su capacidad” – decidió que era posible intentarlo de nuevo. Creyéndose capaz de “sacar a relucir el potencial de Naito”, se acercó una vez más, nombrándose esta vez compositor. Después de reclutar en línea al bajista Asami Rinpei del grupo emo Yubiori de Yokohama y al baterista Yousuke Hotta, la noticia finalmente se extendió a Fukuda, quien rápidamente se reincorporó como tercer guitarrista. “Se sentía como si fuera el destino”, recuerda.
Armada con un gran ataque de tres guitarras, la banda pronto encontró una ventaja diferente. En su primer sencillo, ‘Farewell’ de 2022, y el posterior EP ‘Kimi Wo Omotteiru’ (‘I Am Thinking Of You’), escrito desde la perspectiva de dos chicas que pronto serán separadas por su graduación, la voz efímera de Naito introdujo el melancólico rock alternativo de la banda, coloreado por atmósferas oscuras y poéticas y una inclinación por la retroalimentación y el ruido de la guitarra.
A veces majestuosas (‘Cinema Paradiso’), y otras melancólicas y urgentes (‘Curtain Call’), las melodías fantasmales de Kurayamisaka y sus gigantescas paredes de sonido rápidamente generaron revuelo en el país y en el extranjero. A raíz del EP empapado de distorsión, los oyentes en línea comenzaron a etiquetarlos como un acto de shoegaze, mientras que su imagen inicialmente críptica – biográficamente anónima, con una portada ilustrada – generó sus propias fantasías en línea.
Shimizu recuerda la especulación que surgió por primera vez en las redes sociales: “Decían: ‘¡Oh, esta definitivamente era una banda desaparecida de los años 90! ¡Parece que todos los miembros ya están muertos!’ O, ‘¡Oh, esto debe ser IA!’”. El misterio fue, al menos al principio, intencional: Shimizu originalmente planeó la banda como un proyecto paralelo, asumiendo que otros esfuerzos mantendrían ocupados a sus miembros. “Parecía mucho que estuviéramos gastando una broma”, señala Naito. Sin embargo, la banda, que siempre ha complacido al público, no pudo evitar revelar el secreto, emocionada por las reacciones ante la eventual revelación. Pronto, mientras realizaban sus primeros shows, Kurayamisaka se reveló en el escenario.
En vivo, las suposiciones del shoegaze comenzaron a parecer bastante infundadas. Más en The Drive-In que en Astrobrite, los enérgicos sets de la banda decididamente no son apagados: en cualquier momento, balancean violentamente sus guitarras y golpean el aire con euforia, mientras que la voz de Naito, clínica y distante en el disco, se vuelve expresiva en vivo, elevándose con confianza a través de un fuzz brutal.
Las actuaciones resultaron fundamentales para Kurayamisaka, ya que les permitieron abrazar plenamente algo más integral de su ADN: la energía punzante y punk del apogeo del indie rock japonés de la década de 2000. En particular, la banda era estudiante del melodicismo puntiagudo y el espíritu catártico y distorsionado de bandas como Toddle, Bloodthirsty Butchers y Number Girl, una generación de actos influyentes dirigidos por el guitarrista Hisako Tabuchi.
Si bien su primer EP insinuaba este linaje, su nuevo larga duración, ‘Kurayamisaka Yori Ai Wo Komete’ (‘From Kurayamisaka With Love’), lo destaca con fuerza: una avalancha de guitarras abrasadoras, ritmos contundentes y ganchos anhelantes. Una auténtica joya del noise pop, la paleta propulsora del disco pone de fondo las sinceras reflexiones de Shimizu sobre el dolor, la pérdida y la muerte. Dejando a un lado los poderosos acordes del fuzz-pop (‘Sunday Driver’), la ambiciosa escala del álbum también impulsó a Shimizu a tirar de hilos en todo el underground japonés: la intensa intensidad de Envy informó la aplastante apertura de la canción principal, mientras que ‘Metro’, que induce adrenalina y está impulsada por Marshall, rinde homenaje a los predecesores de la escena I Have A Hurt.
BMás allá de las influencias japonesas, la búsqueda de la banda por tonos masivos también los impulsó a mirar hacia afuera. Junto con el ingeniero Tomoro Shimada (“un nerd de la guitarra”, según Shimizu), tomaron notas desde enfoques estadounidenses (desde Momma hasta la banda de triple guitarra Hotline TNT) hasta fronteras más experimentales. La extrema distorsión digital de la banda británica Caroline y el uso innovador de la retroalimentación en ‘Total Euphoria’ también los dejaron boquiabiertos.
“Si ellos podían hacer música así, entonces teníamos que traerla también”, exclama Shimizu. Tratando de encontrar esa felicidad explosiva, Kurayamisaka conectó sus guitarras directamente a las consolas, superponiendo sonidos y tomando pistas de ‘Revolution’ de The Beatles. “Pensamos que no podríamos llegar a eso sólo con métodos de grabación normales. Trabajamos mucho, pensando en cómo apuntar a los límites: sonidos que parecían que apenas lo logran”.
‘…Ai Wo Komete’ pretendía ser un ómnibus de historias que reflexionaran sobre la vida desde múltiples puntos de vista. En cierto modo, los Kurayamisaka son similares: siempre reforzando, reencarnando, reinventando su pasado y presente. El melancólico tema destacado de Naito, ‘Highway’, por ejemplo, se remonta ocho años atrás, a los días embrionarios de la banda. Originalmente una oda al escapismo, su voz, informada por los años acumulados, transforma la canción con autorreconocimiento e incluso con una resignación inquietante.
“Trabajamos mucho pensando en cómo apuntar a los límites; suena como si apenas lo lograran” – Shotaro Shimizu
Mientras tanto, los experimentos de la banda culminan emocionalmente en ‘Anata Ga Umareta Hi Ni’ (‘The Day You Were First Born’). Acostumbrado a abordar las letras a través de situaciones imaginarias, Shimizu optó por recurrir a circunstancias personales: por encima de un aluvión de D-beats y comentarios, Naito adopta la perspectiva de los padres recientemente fallecidos de Shimizu, convirtiendo las observaciones cotidianas en un mensaje de gratitud por la vida.
Finalmente, su voz se desintegra en un resplandor de texturas falladas y distorsión incendiaria. “Quería que pareciera un carrusel de tu vida pasando rápidamente antes de morir, de una manera en la que no pudieras distinguir los sueños de la realidad”, dice Shimizu sobre el tratamiento, inspirado en el final de El curioso caso de Benjamin Button.
El enfoque estudioso y poético de la banda atrajo una respuesta igualmente cultista, que convirtió a Kurayamisaka en un tema polarizador dentro de los círculos independientes de Japón. Tras el lanzamiento del álbum en septiembre, algunos los aclamaron como rock alternativo. salvadores, colmando de aclamaciones. Otros, sospechando que la etiqueta shoegaze era una respuesta ignorante al generoso uso de la distorsión por parte de la banda, descartaron a la banda como derivada en relación con la rica historia nacional del género: algunos se volvieron elogios demasiado entusiastas en copypasta en líneamientras que otros compatriotas del underground indie japonés Se burló por completo del debate sobre el género..
“Apenas sé nada sobre shoegaze”, admite Shimizu. Si bien acepta cualquier etiqueta que les pongan los oyentes, la viralidad y el debate todavía están en su mente. Cuando se le pregunta sobre otras bandas de culto que también encontraron avances en línea, Shimizu es más sincero que ensimismado. “Panchiko probablemente quería vender más cuando comenzaron, y Parannoul, por supuesto, comenzó con el anonimato, pero estoy seguro de que al final no querían ser recibidos como un meme”, dice. “Estoy seguro de que se formaron porque estaban decididos a sacar algo que fuera aún mejor”.
Hoy en día, Shimizu cree que la sensibilidad de Kurayamisaka es, de hecho, compartida por fans devotos de todo el mundo, independientemente del idioma o país.
“Incluso en Japón, todavía se nos considera una banda underground”, dice Shimizu. “Pero estoy seguro de que al fondo del aula siempre habrá una persona secreta que nos ama. Estoy seguro de que son aquellas personas que vinieron a descubrirnos”. Ahora que de pronto parecen posibles horizontes más amplios, los ex alumnos de NME 100 también están encontrando espíritus musicales afines en toda Asia, viendo sensibilidades similares en la artista surcoreana Crystal Tea y la revista Touming de Taiwán. En junio de 2026, tocarán en Taiwán, lo que marcará su primera actuación en el extranjero.
Independientemente de la escala, Kurayamisaka está obsesionado con un objetivo simple: presentar la magia de ver a una banda junta en su elemento. “Queremos expresar y asumir esas emociones puras”, concluye Naito. Cuando se le pregunta qué es lo que más le gusta de su banda, Shimizu es igualmente directo.
“Lo que más me gusta de mí es que soy un hombre con muchos estados de ánimo”, dice Shimizu rotundamente. “Y mi parte favorita de Kurayamisaka: cuando tocamos juntos en voz alta, es muy, muy ruidoso”.
‘Kurayamasaka Yori Ai Wo Komete’ de Kurayamisaka ya está disponible a través de Tomoran/Bandwagon/Chikamatsu
